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“真没想到有这么多粉丝关注，我在朋友圈里都不敢发这场演出的信息，就怕有人要票。”演出开始前，许锐连连感叹，这场演出火爆到“超乎想象”，甚至“惊动”了黄牛票贩，听说当晚的演出票，已在粉丝圈炒出了1.5万元一张的惊人高价。

其实，当天慕名而来的不仅有粉丝，三宝、李盾、陈少琪、陈蔚、戴劲松、任冬生等音乐剧创作者也都到场。当晚的演出呈现了多年来中国原创音乐剧的多个精彩片段，有多次上演的《蝶》《聂小倩与宁采臣》，有根据巴金同名小说改编的音乐剧《家》，还有讲述北漂生活的《秋裤与擀面杖》……因《声入人心》走红的演员阿云嘎、郑云龙多次登台，还有刘令飞、徐瑶等坚守音乐剧多年的演员，通过一个个剧目片段，带观众回顾了中国音乐剧的几十年历程。

演出当天，由北京舞蹈学院音乐剧系牵头组建的中国音乐剧协会创作专业委员会正式成立。应邀参会的中央戏剧学院音乐剧系副教授戴劲松很兴奋：“音乐剧行业需要偶像，阿云嘎和郑云龙通过综艺节目成为偶像，给音乐剧行业带来粉丝是一件好事，接下来我们需要做的事还有很多。”许锐介绍，创作专业委员会的成立，就是希望把音乐剧演员和幕后人员集结起来，群策群力，探索中国原创音乐剧的发展道路。

现状：急需各环节专业人才

“明星效应给音乐剧带来了粉丝，但整个行业如何走向产业化，是我们要思考的问题。”带着中国音乐剧协会会长钟浩提出的问题，两场学术论坛也在创作专业委员会成立当天同期举行，行业大咖为中国音乐剧行业现场把脉。

音乐剧制作人三宝率先说出了他的困惑：“我们现在确实出了明星演员，但演员的数量还是太少。”三宝说，他每次排剧找演员都很困难，大多是刚刚毕业的演员，舞台经验有限，毕业多年还坚持做音乐剧的人太少，几乎都转行了，“这也不怪他们，一是原来没那么多戏让他们演，二来只演音乐剧也没法养活自己，这是整个行业的问题。”

北京环球百老汇董事长钟丽芳赞同三宝的说法，“演员确实要提升，但我们现在需要做的是搭建整个音乐剧的产业体系。”她介绍，自己带音乐剧《不能说的秘密》全国巡演时，发现不少行业短板。“不少承接我们演出的演出商看不懂音乐剧演出手册，工人不知道怎么配合音乐剧装台，后我们只能把演出手册画成图，把装台变成看图说话。”钟丽芳觉得，音乐剧行业急需专业人才。

让她感到高兴的是，北京舞蹈学院在全国个开办音乐剧本科教育后，很多高等院校都在近年开设了音乐剧系，“这些院校培养的不光有表演人才，还有从创作到制作各个环节的人才，有了他们，中国音乐剧才能健康地走下去。”

创作：音乐剧可向歌剧学习

在大会学术论坛后，原创音乐剧的创作和现实题材成为大家共同关注的问题。

香港音乐人陈少琪通过他的经历提出了现实题材的重要性。“21年前我和张学友合作音乐剧《雪狼湖》时，因为明星效应票卖得很好，不怎么需要考虑题材，但后来做几部古装的或者根据漫画改编的剧目时就失败了。”陈少琪发现，这些“蹭热度”的剧目不够接地气，很难引起观众的集体回忆，而近他原创的《爱在星光里》关注老社区改建，因为充满人文情怀感动了观众。

选择了贴近观众的题材，剧目还需要精细打磨。戴劲松犀利地指出，这两年音乐剧发展势头很好，但“快餐”偏多，“两三个月就攒出一台戏。”“音乐剧是商业产品，更需要品质保障。如果老百姓不买票，成本就回不来，我们需要能持续演下去的作品。”导演陈蔚建议，音乐剧的创作要向歌剧学习，“剧本和音乐如果像歌剧那样精细和规范，二度创作就不那么费力。”

“现在有一批粉丝被音乐剧吸引走进了剧场，但只有我们不断创作出内容的、能够持续盈利的作品，才能让观众留在剧场。”北京舞蹈学院音乐剧系主任张小群说出了专家们的共同想法，未来，音乐剧协会创作专业委员会将继续组织相关研讨交流及作品展演等活动。
《双子》在今天终于和观众见面了，在此之前已经有太多看衰李安的低分评价。这些主要来自北美影评人的反对意见具有惊人的同质性，争论尤其集中在：我们真的需要更清晰更真实的影像吗？

在欧洲要找一块匹配《双子》的银幕实在太困难。2016年，李安的《比利·林恩的中场战事》首次实现了3D、4K、120帧的超高播放配置——尽管当时全球只有五个影院符合这一要求。但是三年前，谁不想跟着李安去看一眼属于未来的影像？

三年过去，在北美、欧洲这样的票仓重地，或许多了几十家、几百家能够放映“HFR（高帧率）”的电影院，仅仅意味着顶了天能看到3D、2K、60帧的《双子》；对于绝大多数观众来说，120帧依然只存在于传说中。

更何况，对于拍出过《卧虎藏龙》《色·戒》《少年派的奇幻漂流》的李安，人们对故事的期待大过一切。而《双子》这个早立项于1997年的企划，很难说是李安的作品。李安的影迷都在担心李安重拾类型片替人打工，可是没多少人记得，恰恰是在拍摄《绿巨人浩克》时，李安次对好莱坞大制片厂妥协，放弃胶片转向数字摄影。谁承想16年后，李安成了数字摄影革新线的导演，甚至领先于技术狂人詹姆斯·卡梅隆，用3D、4K、120帧技术，面向“真实”拔足狂奔。

这也是他的支持者——无论是艺术上还是技术上的，还是他的投资人，空前统一的信念：这是代表全人类探索电影技术和视听语言新边界的划时代伟人，一切为了《马尼拉之战》——那个李安真正想拍摄的拳王阿里VS弗雷泽的世纪之战，他为之奔走已有七年之久。

在《双子》中，120帧并不是李安侧重的技术梦想，由维塔工作室（WETA）实现的“返老还童”之术，亦是本片的亮点之一。影片中无论是由克里夫·欧文所养大的二十多岁的克隆人Junior，还是当作武器培养的青少年克隆人，都是由男主角亨利基因的产物，因而都由威尔·本人亲自饰演。以这两年在好莱坞炙手可热的动作捕捉技术为基础，以威尔·本人早年的生活、银幕影像为参考，演员完全通过自己的演技去呈现不同年轻程度的“自己”。

当然，这并非该技术的首次运用。无论是一闪而过的钢铁侠，还是热气腾腾正面硬抗的终结者，都已经让观众们尝过了鲜。就近来说，该技术在马丁·西科塞斯的新片《爱尔兰人》中的大规模使用为惊人，让三位影坛传奇从老年重返中年，上演纽约黑帮传奇。但是大量针对这一技术在该片中运用的评论也不无遗憾地提到，科技可以让老影帝的脸变年轻，却无法让他们的神态和体态重回盛年。人们依然能看出，“戴着”年轻面貌的阿尔·帕西诺从沙发上起身的时候，蹒跚迟缓如一个老人。

但是这个问题在李安的《双子》中并不存在，CG的高妙运用让人几乎难以辨认哪一个威尔·在演哪个年龄，他年届五十依然保持轻盈敏捷的体态（并且和动作替身团队配合密切），真正实现了让不同年龄的威尔·在大银幕飙戏。特工亨利和克隆版的他的几场对手戏：摩托车追逐、近身肉搏、暗洞偷袭等，都以超越想象的完成度，让观众为年龄对比、演技爆发而震撼。甚至临近尾声，威尔·演出了一个青少年版的克隆自己，其临终时刻不可复制、不可想像的天真怅惘神色，再一次证明，“史皇”当然是好莱坞的演员，而李安，永远是世界上会做演员指导的大师级导演。

但比起维塔的“返老还童”技术，《双子》真正的重心，还是在于120帧——3D也不可比拟。李安半路接手这个项目，一定程度上是为他人打工，完成一个作业，只是在作业中夹带了他120帧的昂贵野心。《双子》动作片的类型格局，大量跑酷、飙车的戏份，决定了必须使用更轻盈、便捷的拍摄。因而本片并不是使用笨重的3D摄像机拍摄的，3D效果是后期转制实现的。

李安从《少年派的奇幻漂流》等拍摄中，意识到当时摄影的技术瓶颈所在：景深、细度、帧数……所有看过这部美到让人窒息作品的观众，都会理解一个导演是如何萌生对于技术探索的热望。李安在很多场合表达过为什么自己这么痴迷于120帧：当代影院通行播放的24帧只是处于低成本考量而作出的选择，绝大多数影院都有能力实现60帧的放映，这已经能对观影体验产生质的提升；但如果到达100帧以上，则几乎不会产生频闪，120帧是目前可能达到的完美结果。他坚持，高帧数的摄影和放映，会实现更真实、更沉浸、更充满人性的银幕。

针对这一点，北美前期传来的不积极评价，和《比利·林恩》时期的差不多。许多观众依然无法适应丝般顺畅的影像进程——太真、太快；传统电影的布景和在摄影实现的hyper-realism效果中显得非常出戏，花花草草、窗台灯展都由于清晰而在和主角的脸抢戏；而和高新技术脱节的动作设计，让人感受到奋力搏斗的威尔·快要跳出银幕，试图挣脱取景框的束缚。

当然，观众依然能看到李安前卫的调度。低照度下的动作戏因为新技术有了更好的体验，他在不断重新调整光线，重新寻找人类眼睛适应的银幕对比度；超高清摄影让人物视角的切换具有更强的效力，而李安在摸索动作戏快剪和长镜头更好的节奏——120帧下，动作电影需要改头换面的新语法。

一个64岁的老人，拿过三尊奥斯卡奖杯了，还在兢兢业业地磨炼技艺。他在拍摄时不停地告诉身边的工作人员，没有坏媒介，只有不够好的艺术家，“一定存在另一种属于高帧率数字摄影的美感，我正在努力寻找它。”

所有人，甚至李安自己都会承认，《双子》并不是他的流的作品。但是这种挑战电影新语法的旅程，已经足够令人尊敬。历史的改变并不是靠一部电影，李安在冲击他的机会。